Editorische Notiz
Dieses Jahr erscheint der Jahresrückblick besonders spät, oder um es positiv zu formulieren: die kreative Freiheit einer antizyklischen Publikationsfrequenz wurde auf besonders überraschende Art und Weise genutzt! Jetzt also im Herbstloch zwischen dem Sommerloch und der Weihnachtszeit noch eine passende Zeit gefunden!
Dieses Jahr wird es noch etwas fragmentarischer mit den Texten: viele sind aus meinen persönlichen unterjährlichen, englischsprachigen Letterboxd-Kurzreviews übernommen, übersetzt und leicht editiert, einige sind Teile nicht-veröffentlichter Entwürfe. Es steht also nicht zu jedem Film ein Kommentar, aber in Kombination mit einigen Screenshots und der "kreativen" Kapiteleinteilung bei der Liste der nicht-aktuellen Film-Highlights ergibt sich hoffentlich doch ein schönes Lese-Erlebnis.
Neue Filme 2025
In die Sonne schauen (Mascha Schilinski: Deutschland 2025)
Insbesondere die erste halbe, dreiviertel Stunde fühlt sich an, als hätte Jean Rollin ein Remake von CARNIVAL OF SOULS auf einem deutschen Bauernhof gedreht: IN DIE SONNE SCHAUEN teilt mit Rollin und Herk Harvey das Element morbider, "übernatürlicher", "gothischer" Geister- und Spukgeschichten, die ohne praktische Spezialeffekte erzählt werden, denn das Kino und nur das Kino ist der wahre Spezialeffekt. Die Geister, die Mascha Schilinski hier so kunstvoll und visuell atemberaubend, so sinnlich und übernatürlich, auf so beängstigende und betörend schöne Weise heraufbeschwört, werden mich noch einige Zeit verfolgen...
Trois amies (Emmanuel Mouret: Frankreich 2024)
Juror #2 (Clint Eastwood: USA 2024)
Das Ende von JUROR #2 verfolgte mich noch Tage nach der Vorführung und ist wahrscheinlich das beste oder zumindest beeindruckendste Ende eines Eastwood-Films seit THE OUTLAW JOSEY WALES und WHITE HUNTER, BLACK HEART (es ist ebenso vieldeutig respektive ebenso erschütternd) – auch wenn ich zugeben muss, dass der Film beim Anschauen selbst zunächst "nur" als "ziemlich gut" und nicht als "herausragend" auf mich gewirkt hat (aufgrund der durch CRY MACHO geweckten Erwartungen, aber das ist im Grunde nur ein echtes Luxus-Problem).
Um dennoch eine so erschütternde Wirkung durch das Ende zu erzielen, muss das, was davor kommt, offensichtlich wirklich gut gemacht sein, und Eastwoods ruhiger, sicherer, klassizistischer Regiestil mit seiner 54-jährigen Erfahrung kommt dabei sehr gelegen. Nach wie vor gibt es keinen Bedarf an lauten Angebereien und aufdringlichen Effekten. Es ist einfach "nur" ein Kino, in dem kleine Dinge auf festem Boden passieren, wie zum Beispiel die Beziehung zwischen der Staatsanwältin Killebrew und dem Verteidiger Resnick, die wie eine Art platonische Mini-Screwball-Komödie wirkt: Feinde im Gerichtssaal, ehemalige Kommilitonen hinter den Kulissen, Trinkkumpanen in der Bar (diese Barszenen mögen trivial erscheinen, sind aber essentiell in diesem dichten Mosaik aus kleinen Bausteinen – sie bestellt mit amüsiert-süffisantem Ton beim Barman "was auch immer er trinkt").
Cloud (Kiyoshi Kurosawa: Japan 2024)
Meisterhaft inszeniert und durchgehend stimmig, obwohl sich die Tonart und Atmosphäre ständig ändern (von Slowburner zu Actionfilm, von fast dokumentarischen Beobachtungen "trivialer" Online-Einzelhandelsroutinen zu fast phantasmagorischer Jenseitigkeit, von schwarzem Humor zu schockierenden Gewaltausbrüchen). Aber die großartige Kameraführung und Masaki Sudas Präsenz als Hauptdarsteller sind zwei starke Säulen, auf die sich CLOUD durchgehend stützen kann.
Ein großartiger Thriller, der auf die Kinoleinwand gehört (obwohl ich für Deutschland befürchte, dass er es nicht über Festivals – wie die Nippon Connection, wo ich ihn gesehen habe – oder limitierte Kinostarts in den großen Städten hinaus schaffen wird).
Tōsō – Escape (Masao Adachi: Japan 2025)
Ein anderer Reviewer verglich Adachi mit Eastwood – tatsächlich wäre es gar keine schlechte Idee, ESCAPE mit WHITE HUNTER BLACK HEART zu vergleichen, da beide Filme gleichzeitig Varianten einer Biografie und eine kritische Selbstreflexion ihrer (interessanterweise jazzbegeisterten) Macher als künstlerische bzw. politische Persönlichkeiten sind.
ESCAPE schildert fiktiv das Leben des linken Terroristen Satoshi Kirishima, der der Polizei "entkommt" (daher der Titel), indem er "going native" probiert: Er arbeitet als Tagelöhner auf Baustellen. Kirishima kämpft ums Überleben auf der Flucht, aber ebenso darum, sich als Arbeiter anzupassen wie auch mit seinem Gewissen, da er an Morden beteiligt war, und er kämpft mit seinem Status als ehemaliges/aktuelles Mitglied einer dogmatischen, gewalttätigen radikalen linken Terroristengruppe. Adachi filmt dies nicht als konventionelles (semi-fiktives) Biopic, sondern als ständigen Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart (die Szenen aus den 1970er Jahren sind interessanterweise ohne historische Kulissen oder Effekte gedreht), zwischen Kirishima selbst in jüngereren, älteren und sogar sterbenden Versionen seiner selbst, zwischen Kirishima und den Geistern seiner toten oder inhaftierten Kameraden, zwischen der japanischen Vergangenheit und der (internationalen) Gegenwart. So wechselt der Ton des Films zwischen alltäglichen Episoden, einigen seltsamen "übernatürlichen" Interaktionen (Kirishima redet wörtlich in verschiedenen Altern mit sich selbst) und Einblendungen von Dokumentaraufnahmen (die teils direkt gezeigt werden, teils aber auch auf den Rücken und die Umgebung des Protagonisten projiziert werden).
Der Soundtrack des Films ist ziemlich faszinierend: Free Jazz und Jazz Funk mit Free Jazz-Elementen als extradiegetische Musik und als intradiegetische Musik Samba-Tanzmusik (zu der der Protagonist gerne in einem Club tanzt) und Rock (die Basis der Plattensammlung des älteren Kirishima). Ein weiterer Bereich, in dem ein Dialog eröffnet wird, wobei interessant ist, dass der persönliche Musikgeschmack des Revolutionärs viel konventioneller ist als das, was die japanische Musik in den letzten 50 bis 60 Jahren an Wildem zu bieten hatte – und für mich eine persönliche Erinnerung daran, mich intensiver mit ausgefalleneren Varianten des japanischen Jazz zu beschäftigen.*
ESCAPE vertritt keine emotionale oder moralische Position (oder Wertung) und ist eher ein Film über komplexe Fragen als über einfache Antworten. Es ist also weder ein Film, der den linken Terrorismus "rechtfertigt", noch einer, der ihn "verurteilt". In gewisser Weise greift er das Motto des Protagonisten ("Flucht bedeutet, den Kampf fortzusetzen") auf und verwandelt es in eine explorative Form des Films: Filmen bedeutet, weiter zu fragen.
* Was ich dann auch etwas später in diesem Jahr in die Tat umsetzte
Ergänzungsliste zu ESCAPE, ein stichprobenartiges, persönliches "Best of Japanese Free Jazz":
Masahiko Togashi Quartet: Speed and Space
Seikatsu Kōjyō Iinkai Orchestra: This Is Music Is This!?
Yosuke Yamashita Trio: Mokujiki
Otomo Yoshihide's New Jazz Quintet: Flutter
Otomo Yoshihide’s New Jazz Quintet: Live at the In Situ Art Society, Bonn, February 8th 2024
Hören
Text
- Yale Courses: The American Revolution (Joanne B. Freeman)
- Yale Courses: Early Modern England (Keith E. Wrightson)
Musik
- Liebstes neu entdecktes Album: Charlie Rouse – Bossa Nova Bacchanal
- Liebster Einzeltitel: Ben Webster & Charlie Shavers – Stardust (Café Montmartre, Copenhagen, 1969?/70?/71?)
Filmfestivals und -retrospektiven
besucht
- Italowestern-Festival, KommKino Nürnberg (25.-27. April 2025)
- Nippon Connection, Frankfurt am Main (27. Mai-1. Juni 2025, besucht 29.-31. Mai)
- Technicolor-Festival, Schauburg Karlsruhe (6.-9. Juni 2025)
- Terza Visione, DFF Frankfurt am Main (19./20.-24. August 2025)
- Filmarchäologen-Symposium, KommKino Nürnberg (12.-14. September 2025)
- Italo Cinema Festival, KommKino Nürnberg (24.-26. Oktober 2025)
- Karacho-Festival des Actionfilms, KommKino Nürnberg (12./13.-16. November 2025)
verpasst (wegen höherer Gewalt)
- Außerordentlicher Filmkongress des Hofbauer-Kommandos, Sonderformat "Wild Weekender meets Hofbauer-Kongress", Metro-Kino Wien (27. Februar-2. März 2025)
- Das umgekehrte Leben – Werkschau Alain Jessua, DFF Frankfurt am Main (10.-13. Juli 2025)
- Hammer Legacy, KommKino Nürnberg (3.-5. Oktober 2025)
Beste Erstsichtungen nicht-aktueller Filme 2025
Zur Abwechslung mal nicht nach Präferenz, oder chronologisch geordnet, sondern gruppiert zu imaginären thematischen Double-Features mit manchmal einem passenden Kurzfilm als Vorfilm.
Geschichten von Niedertracht und Missbrauch
Valmont (Miloš Forman: Frankreich/UK 1989)
Through the Looking Glass (Jonas Middleton: USA 1976)
Kammerspiele der Grausamkeiten
Vorfilm: Conte cruel (Gaston Modot: Frankreich 1930)
A Town Called Hell (Robert Parrish, Irving Lerner: UK/Spanien 1971)
A TOWN CALLED HELL scheint einen schlechten Ruf zu haben. Vielleicht weil es sich um eine spanisch-britische Koproduktion mit einer amerikanischen Besetzung handelt, die (atmosphärisch) wie ein italienischer Western wirkt und sich daher einer einfachen Einordnung entzieht; oder weil viele Menschen eine stark gekürzte Fassung gesehen haben (sowohl in der Länge als auch im Bildformat – es handelt sich um einen Cinemascope-Film); oder weil Telly Savalas irreführenderweise als Hauptdarsteller beworben wurde; oder weil er als episch-fetziger Action-Western vermarktet wurde und nicht als das, was er tatsächlich ist: ein langsam voranschreitendes, fieses und stark stilisiertes Kammerspiel – keine spannenden Kämpfe in weitläufigen Landschaften, sondern nur eine Gruppe von Menschen, die in einer infernalischen Stadt wahnsinnig werden, sich gegenseitig foltern und umbringen, während der Geist eines mysteriösen mexikanischen Revolutionsführers über ihren Köpfen schwebt.
Wie auch immer, es ist ein bemerkenswerter Film, ein sehr atmosphärisches Werk, das in einer völlig verlassenen und abgeschotteten kleinen mexikanischen Stadt spielt, die, passend zum Titel des Films, sehr wohl die Hölle sein könnte, oder zumindest ihr staub- und sandgefülltes Vorzimmer. Mit dabei sind Telly Savalas als sadistischer, diktatorischer Armeeoffizier in anzüglicher Oben-Ohne-Mode, Al Lettieri als sein schmieriger Handlanger, Robert Shaw als falscher Priester mit dunkler Vergangenheit, der zum Zeugen der Gräueltaten wird, Martin Landau als sadistischer Armeeoberst und Stella Stevens als rachsüchtige Witwe, die eine Kettenreaktion der Gewalt in Gang setzt. Eine wirklich schöne Besetzung, die unter einer gnadenlosen Sonne, die brutal auf ihre Köpfe niederbrennt, langsam immer verrückter und brutaler agiert, wenn nicht gerade der bemerkenswerte dissonante Soundtrack von Waldo de los Rios ihre Trommelfelle zerfetzt.
Gesehen beim Italowestern-Festival
Emanuelle e Françoise – Le sorelline (Joe D'Amato: Italien 1975)
Der Serienmörder und das nichts-/all-sehende Auge
See No Evil (Richard Fleischer: UK 1971)
Ein großartiger Thriller, der zunächst eine absolut grandiose Meisterklasse in Sachen Suspense-Formalismus bietet, bevor er sich in ein sehr fieses, körperzentriertes Stück Terror-Kino verwandelt: Mia Farrows Körper begegnet Wänden, geschlossenen Türen, Treppenstufen, Teppichen, Ästen, Herbstblättern im Wald, Schlamm, Glassplittern, Müll oder – im Gegenteil – fällt ins Leere. Ihre Sarah ist, wenn ich das so sagen darf, John McClanes vergessene britische Cousine im Geiste: siehe besonders den einen unfassbar schmerzhaften Moment, der einem als Zuschauer wirklich den Magen umdreht. Ich bin nicht der größte Fan von Mia Farrow (ich kenne sie hauptsächlich durch ihre eher intellektuellen und "körperlosen" Arbeiten mit Woody Allen), aber ihre Darstellung in SEE NO EVIL ist nicht nur eine außergewöhnliche Meisterleistung im Bereich der reinen Körper-Performance, sondern zugleich auch sehr gefühlvoll und berührend.
Hollywood 90028 (Christina Hornisher: USA 1973)
Reise ins Nirgendwo
Neotpravlennoe pis'mo – Letter Never Sent (Michail Kalatozov: Sowjetunion 1960)
Day of the Outlaw (André de Toth: USA 1959)
Bäume und Amulette des Verderbens
Karisuma – Charisma (Kiyoshi Kurosawa: Japan 1999)
Was hätte Max Weber zu diesem Film gesagt, in dem ein charismatischer Anführer (zufällig ein Baum) über eine Gruppe zunehmend verrückter Menschen "herrscht"?
Ein harter, wilder, halluzinogener (schließlich spielen Zauberpilze eine Rolle) Film, der wie eine Achterbahnfahrt den Kopf verdreht, sehr anspruchsvoll und sehr lohnenswert zugleich. Mein vierter Film von Kiyoshi Kurosawa und sein dritter beim Nippon Connection Film Festival 2025 gesehener bestätigte, dass Kurosawa es wirklich meisterhaft versteht, Filme zu inszenieren, die komplexe, wechselnde, vielfältige Tonlagen haben und dennoch eine sehr kohärente Vision vermitteln.
In diesem Fall haben wir es mit etwas zu tun, das man oberflächlich als ökologischen Thriller bezeichnen könnte. Aber er wird in einem so rasanten und extrem dichten Tempo erzählt, mit wilden Schnitten und völlig atemberaubenden Ellipsen, dass er sich zu etwas viel Seltsamerem entwickelt, etwas, das nicht weit von einem kafkaesken Albtraum entfernt ist (aber dennoch mit gelegentlichen Lachausbrüchen dazwischen).
CHARISMA ist während des größten Teils seiner Laufzeit fast völlig unverständlich und sicherlich ein schwieriger Film, aber wer bereit ist, sich darauf einzulassen, wird großes filmisches Vergnügen erleben. Eines der faszinierendsten Elemente war der Einsatz von Musik: Ein Stück unheimlicher Avantgarde-Chormusik, das ein wenig wie das in 2001: A SPACE ODYSSEY verwendete klingt (Ligeti? Penderecki? Lutosławski?), sorgte im Prolog für einen fast apokalyptischen Ton. Später gibt es ein wiederkehrendes, sehr fröhliches, ein wenig schottisch oder irisch klingendes Stück mit starkem Tanzeinschlag – es wurde dreimal gespielt und erzeugte jedes Mal in Kombination mit dem, was zu sehen war, eine völlig andere Wirkung. Nach dem zweiten Mal konnte ich mich nicht mehr halten und musste mit meinem rechten Fuß im Rhythmus der Musik und des Films mitwippen (hier eine Kostprobe in leider sehr schlechter Bildqualität).
Gesehen bei Nippon Connection
Manhattan Baby (Lucio Fulci: Italien 1982)
Gesehen bei Terza Visione
Agenten des Wahnsinns
Kill! (Romain Gary: Frankreich/Italien/Spanien/BRD 1971)
Gesehen bei Karacho
Agent trouble (Jean-Pierre Mocky: Frankreich 1987)
I'm a hard-working wo/man
Vorfilm: Pehlivan (Maurice Pialat: Frankreich 1964)
Blue Collar (Paul Schrader: USA 1978)
Working Girls (Lizzie Borden: USA 1986)
Einmal ausreißen…
Vorfilm: Heisser Sand (Bruno Sukrow: Deutschland 2020)
La parmigiana (Antonio Pietrangeli: Italien 1963)
Little Fugitive (Ray Ashley, Morris Engel, Ruth Orkin: USA 1953)
Von wegen man braucht eine Frau und eine Pistole, um einen Film zu drehen: ein kleiner Junge und seine Spielzeug-Pistole reichen völlig aus... Na gut, und die Stadt New York als Spielplatz, auf dem man Spaß haben kann.
Oder in diesem Fall der offizielle Sommer-Spielplatz der Stadt, Coney Island, zu dem uns der kleine Joey als Führer begleitet. LITTLE FUGITIVE, ein recht fröhlicher Abenteuerfilm über einen Ausreißer, wird im langen Coney-Island-Teil fast zu einer dichten ethnografischen Dokumentation. Er ist voller faszinierender kleiner Details (was ist denn dieser Laden im Hintergrund, der "Salzwasserkaffee" anbietet?), aber auch interessant in der Darstellung einer Gesellschaft, die im zeitgenössischen Mainstream-Kino eher nicht oft so dargestellt wurde: mehr Arbeiterklasse und ethnisch vielfältiger als der durchschnittliche Hollywood-Film und auch genau beobachtend in Bezug auf die unschönen Seiten der Konsumgesellschaft (Abfall ist überall sehr sichtbar).
Abgesehen davon ist LITTLE FUGITIVE auch recht erfrischend in seiner Nähe zum "kindlichen" Geist: eine sorglose, unbekümmerte Haltung und eine "naive" Neugierde vermischen sich mit temporären monotonen Obsessionen (als Joey sich völlig in seine Routine des Pfandflaschen-Sammelns vertieft).
Als New Yorker Film würde er sich wahrscheinlich gut für ein Doppelprogramm mit Harold Lloyds SPEEDY eignen (in dem es sowohl eine Coney-Island-Episode als auch einen erfrischend sorglosen, wenn auch erwachsenen Protagonisten gibt).
Twilight Zones
The Swimmer (Frank Perry: USA 1968)
In einem halb fiktionalisierten Frankreich unter einem faschistischen Regime führen Ève, die Frau eines wohlhabenden Beamten und der Arbeiter und Widerstandskämpfer Pierre völlig unterschiedliche Leben, werden jedoch am selben Tag ermordet – sie von ihrem Ehemann vergiftet, er von einem Doppelagenten der Widerstandsbewegung erschossen. Im Jenseits, wo die Toten einfach unsichtbar und unhörbar für die Lebenden durch die gegenwärtige Welt wandeln, begegnen sich die beiden und verlieben sich ineinander: Sie erhalten die Chance auf ein zweites Leben, wenn sie ihre Liebe innerhalb von 24 Stunden beweisen können...
Ein hartes Melodram, ein ätherischer Geisterfilm, ein spannender Kriegsfilm, ein romantisches Drama und eine Atmosphäre des Fatalismus, die an den amerikanischen Film noir erinnert (aber eigentlich ihre Wurzeln im französischen poetischen Realismus hat) – diese scheinbar unvereinbaren Elemente fügen sich in LES JEUX SONT FAITS auf wunderbare und harmonische Weise zusammen. Besonders einprägsam ist die poetische Darstellung des Jenseits als "Parallelwelt" neben der realen Welt: Die Geister sehen die Welt der Lebenden, können sie kommentieren, aber nicht in sie eingreifen. Einige, die ins Jenseits gelangen, haben vielleicht das Glück, von einem freundlichen Adligen, der 1776 aufgrund eines Justizirrtums hingerichtet wurde, eine Führung zu erhalten. Die kleinen Nischen, die "nur" den Geistern gehören, zaubern sowohl Magie als auch Humor in den Film: Die "Straße der Genese", wo sich die Verstorbenen unmittelbar nach ihrem Tod versammeln müssen, offenbart sich jedem Verstorbenen als dieselbe surreale Hintergasse – der Eingang zu dieser Gasse findet aber jeder Einzelne an einem unterschiedlichen Ort. Am Ende der "Straße der Genese" kümmert sich in einem kleinen Keller eine exzentrische, aber gutherzige alte Dame darum, dass der Status im Jenseits korrekt registriert wird, und sorgt mit ihren witzigen Bemerkungen und vor allem mit ihrer Katze, die gemütlich auf dem Registerbuch faulenzt, für Heiterkeit.
Letztendlich ist es jedoch auch die Chemie zwischen den Liebenden, die von Micheline Presle und Marcello Pagliero (der ein wenig an Gabin in den späten 1930er Jahren erinnert – eine weitere Verbindung zum poetischen Realismus) fesselnd gespielt werden, die LES JEUX SONT FAITS so packend macht: Als die Geister Pierre und Ève auf einer Caféterrasse zur Musik einer Kapelle tanzen und sich, ohne ihre Körperlichkeit zu spüren, in einem Kreis drehen, eng umschlungen, tief verliebt, steht die Welt für einen kurzen Moment still. Und welche Leidenschaft, als sie sich während ihrer "Probezeit" mit ihren Körpern endlich im Spiegel anschauen und sich im Bett lieben können.
Aus filmhistorischer Sicht ist Regisseur Jean Delannoy einer der nicht ganz rehabilitierten Prügelknaben der Autoren der "Cahiers du cinéma", die ihn als Filmemacher des "Qualitätskinos" verunglimpften. Nachdem ich das völlig verrückte und wahnsinnige, morbid-poetische Kostüm-Melodram LA PRINCESSE DE CLÈVES, den packenden, späten Heist-Thriller LE SOLEIL DES VOYOUS (Jean Gabin und Robert Stack als Kumpanen!) und nun diesen Film gesehen habe, erscheint mir eine Neubewertung und ein gesteigertes Interesse an ihm völlig angemessen.
(MAIGRET TEND UN PIÈGE, ein stark inszenierter Krimi mit einigen fast proto-giallo'esken Momenten, verstärkt mittlerweile diesen Eindruck. LE BARON DE L'ÉCLUSE ist ein schöner kleiner Abhängfilm. MAIGRET ET L'AFFAIRE SAINT-FIACRE ist tatsächlich "nur" ganz solide.)
Gesehen beim Filmarchäologen-Symposium
Einmal mit Profis arbeiten!
Un esercito di cinque uomini (Italo Zingarelli & Don Taylor: Italien 1969)
UN ESERCITO DI CINQUE UOMINI aka "Die fünf Gefürchteten" ist ein wunderschöner, cleverer und absolut spannender Heist-Movie, der sich als italienischer Western oder Revolutionswestern "tarnt": Fünf "Profis" mit unterschiedlichen Fähigkeiten und (sozialen wie auch nationalen) Hintergründen schließen sich zusammen, um einen Goldtransport der mexikanischen Armee zu überfallen. Fünf Männer gegen einen schwer bewaffneten Zug.
Der Film geizt weder mit Action noch mit der detaillierten Darstellung der Charaktere, die alle von großartigen Schauspielern gespielt werden: Bud Spencer als rowdyhafter und gefräßiger ehemaliger Eisenbahnarbeiter war zu dieser Zeit nicht das bekannteste Gesicht, sorgt aber für viele Lacher; James Daly als desillusionierter Soldat und Sprengstoffspezialist bringt eine tragisch fatalistische Note; Tetsuro Tamba (bekannt als Tiger Tanaka aus dem Bond-Film YOU ONLY LIVE TWICE) ist der Samurai, aber er wird nicht nur als "exotischer" Gag eingesetzt, sondern ist eine vollwertige Figur und bekommt sogar seine eigene romantische Nebenhandlung mit einer Mexikanerin (dies wird diskret inszeniert, ohne Worte, nur mit Blicken, ist aber emotional umso packender); Nino Castelnuovo spielt einen charismatischen mexikanischen Banditen; Peter Graves als Anführer Dutchman (Europäer in italienischen Revolutionswestern sind fast schon ein Klischee für sich) ist vielleicht die unscheinbarste Figur (obwohl dies eine Täuschung sein könnte).
Das Glanzstück, wie es sich für jeden großartigen Heist-Movie gehört, ist die Vorbereitung und Durchführung des Raubüberfalls: eine absolut meisterhafte Action-Szene in einem rasenden Zug, voller wunderbarer kleiner Details (die Glocke!) und einiger nervenaufreibender Momente der Spannung (ein Mann, der vom Zug fällt, und diesen dann zu Fuß verfolgt, um ihn wieder einzuholen, hätte mich – und sicherlich auch andere Zuschauer – fast aus meinem Kinosessel gehauen).
Es gibt nicht nur etwas für die Augen, sondern auch für die Ohren: Maestro Ennio Morricone hat für den Soundtrack sein ganzes Können aufgeboten, zwischen schwungvollen, heroischen Stücken, Dissonanzen in spannungsgeladenen Momenten und sogar einem tragischen Stück voller Pathos, das den Exodus eines ganzen mexikanischen Dorfes begleitet, das vor der Armee flieht (eine bemerkenswerte Szene, die den tragischen Marsch durch die karge Wüstenlandschaft weit über das narrativ Notwendige hinaus in einer lang ausgedehnten, epischen Totale zeigt).
Gesehen beim Italowestern-Festival
La comédie du travail (Luc Moullet: Frankreich 1988)
Va-va-voom, VA-VA-VOOM!
Vorfilm: Ballet Mécanique (Fernand Léger, Dudley Murphy: Frankreich 1924)
Winning (James Goldstone: USA 1969)
Obwohl ich GRAND PRIX noch nicht gesehen habe, scheint WINNING das vergessene Bindeglied zwischen diesem Film (der wahrscheinlich noch im klassischen Hollywood-Kino verankert ist) und LE MANS zu sein und die starke Tendenz des letzteren zur Abstraktion vorwegzunehmen.
Die Rennen sind während des größten Teils des Films eher zweitrangig, da sich WINNING eher auf die Beziehung zwischen Frank, Elora und Charley konzentriert, wodurch der Film eher ein Ehe- und Familiendrama als ein actionorientierter Rennfilm ist. Dabei kann man sich getrost auf das Charisma und die Chemie zwischen Paul Newman und Joanne Woodward verlassen.
Im Gegensatz zu LE MANS ist WINNING ein starker Charakterfilm, der weiß, dass es ausreicht, Paul Newman und Joanne Woodward einfach Dinge tun zu lassen und manchmal auch gemeinsam Dinge tun zu lassen, und der dies einfach geschehen lässt: Die beiden beim Plaudern zu beobachten, während sie gemütlich auf einer Hollywood-Schaukel sitzen und Bier aus Dosen trinken, ist einer der einfachsten, aber auch schönsten Momente in WINNING. Und wenn wir schon vom Trinken sprechen: wie Frank seinem Stiefsohn Charley das Trinken beibringt, indem er mit ihm edlen Champagner in einer Popcornschachtel und einer gemahlenen Kaffeedose serviert und beide sich gemeinsam betrinken – schöner kann eine Szene über den Aufbau einer Bindung zwischen (Stief-)Vater und Sohn kaum sein.
WINNING nimmt die Tendenzen zur Abstraktion von LE MANS vorweg, sichtbar in der ersten Szene: Bilder von Feldern, Blumen und einem Gesicht mit geringer Tiefenschärfe werden langsam von einem immer lauter werdenden Motorenbrummen beschallt (und gehen schließlich in Rennbilder über). WINNING ist im Allgemeinen voller wunderschöner Bilder, die langsam ineinander überfließen (eine besonders einprägsame Überblendung zeigt ein fahrendes Auto, das in einen gleitenden Surfer regelrecht hinüberschwebt). Im Gegensatz dazu steht die extrem schnelle Schnitttechnik in den Rennszenen, bei der manchmal fast unterschwellige Bilder verwendet werden, die Eindrücke von den Autos und dem Publikum an der Rennstrecke vermischen, sodass sie weniger wie spannende Rennen als vielmehr wie experimentelle Einschübe wirken.
Ich habe WINNING während des 7. Technicolor-Filmfestivals im Schauburg-Kino in Karlsruhe gesehen, auf einer riesigen Cinerama-Leinwand, auf einer 35mm-Technicolor-Kopie mit 4-Kanal-Stereoton. Die Bilder können natürlich auf einer so großen Leinwand ihre volle Wirkung entfalten, aber nachdem ich während des Festivals hauptsächlich Mono-Kopien gehört hatte, war das 4-Kanal-Stereo ein zusätzlicher Genuss, nicht nur wegen der Motorengeräusche, sondern auch wegen der wunderschönen Musik von Dave Grusin.
Gesehen beim Technicolor-Festival
The Wraith (Mike Marvin: USA/Kanada 1986)
HIGH PLAINS DRIFTER gefiltert durch THE CAR, MAD MAX und einem Teenagerfilm aus den 1980er Jahren, der zu viel Klebstoff geschnüffelt hat. Wenn du dir einen ordentlichen Schluck aus der Flasche mit Bremsflüssigkeit gegönnt hast und deine Sonnenbrille fest sitzt, kannst du getrost das Gaspedal durchtreten in diesem rasanten und stilvollen Rennen um Leben und Tod.
So schön: die Eröffnungs-Verfolgungsjagd durch die pechschwarze Nacht auf der Wüstenstraße. Eine dunkle Schönheit, die man in dieser Form wahrscheinlich nur in einer 35mm-Vorführung erleben kann. Eigentlich alle Verfolgungsjagden, in denen die allzu menschlichen Fahrer in ihren allzu materiellen Autos mit Höchstgeschwindigkeit dem Geisterauto hinterherrasen müssen. Das verrückte Gefühl, den Asphalt Meter für Meter zu verschlingen – bis es zum unvermeidlichen Crash kommt.
Enorm kraftvoll: der Geist in einem Kostüm mit dunklem Helm, der sogar John Eastland aus THE EXTERMINATOR vor Angst zittern lassen würde und dessen Macht sich in der unglaublichen Schießerei in der Autowerkstatt entlädt.
Interessant: Charlie Sheen spielt in diesem Film nicht nur metaphorisch und narrativ einen Geist, sondern verschwindet im mittleren Drittel sogar fast vollständig aus THE WRAITH, schwebt dann nur noch über dem Geschehen.
Sehr schön: die Figuren Skank (bürgerlicher Name: Maurice!) und Rughead, zwei von Packards Schlägern, die sich offenbar nur von Klebstoff, Bremsflüssigkeit und Ähnlichem ernähren und sich auch entsprechend verhalten. Sie sind lustige Gestalten, eigentlich Comic-Reliefs, total übertrieben ... und doch entwickeln ihre Charaktere im Laufe des Films eine spannende Dynamik und eine seltsame Sympathie, der man sich nur schwer entziehen kann.
Jemand beschrieb den Film unmittelbar nach der Vorführung als "80er-Jahre-Wohlfühlpaket". In der Tat, das hat sich so gut getan!
Gesehen bei Karacho
Unterwegs auf Pferden und Rikschas
Vorfilm: Barres (Luc Moullet: Frankreich 1984)
Red River (Howard Hawks: USA 1948)
Muhōmatsu no isshō – The Life of Matsu the Untamed aka The Rickshaw Man (Hiroshi Inagaki: Japan 1943)
Wow! Was für ein großartiger Film. Vor allem, wenn man bedenkt, dass er auf dem Höhepunkt des Zweiten Weltkriegs im militaristischen Japan gedreht wurde. Und es grenzt an ein kleines Wunder, dass er selbst in der stark zensierten Fassung so wunderbar funktioniert (10 Minuten wurden von den japanischen Zensoren herausgeschnitten, um den Hinweis auf eine Liebesbeziehung über Klassengrenzen hinweg zu entfernen, weitere 8 Minuten wurden von den Zensoren der US-Besatzungsmacht herausgeschnitten, um "Militarismus", d. h. unter wohl weitere Schlägerei-Szenen, zu entfernen).
Vor allem in der ersten halben Stunde hat THE RICKSHAW MAN viel von dem, was man in den 1980er Jahren wahrscheinlich als Anarcho-Komödie bezeichnet hätte. Die Titelfigur hat sein Herz am rechten Fleck (und das ist auch der Kern des Films), aber er ist vor allem ein rowdyhafter Trinker und ein ziemlich ungehobelter Hinterwäldler, der es liebt, den feinen Pinkeln seine unkultivierte Art unter die Nase zu reiben: Das knoblauchlastige Kochen an einem völlig ungeeigneten Ort ist ein Juwel der absurden anarchischen Komödie, aber die wilde Schlägerei danach hätte visuell und in der Tonalität genauso gut in einen Gangsterfilm von Fukasaku (30 Jahre später) gepasst.
THE RICKSHAW MAN macht von Anfang an deutlich, dass es sich vor allem um einen visuellen Film handelt, wenn eine offensichtlich handgeführte Kamera sich einem Fenster nähert und plötzlich, wie durch Zauberei, einfach hinausschwebt und einige Meter hoch über der Straße schwebt, bevor sie dort sicher "landet". Wunderschön fotografiert von Kazuo Miyagawa (bekannt für seine häufige Zusammenarbeit mit Kurosawa Akira und Mizoguchi), verdichtet sich die visuelle Kraft in mehreren atemberaubenden Einblendungen, wie den wiederkehrenden rollenden Rädern der Rikscha und einigen zunehmend atemberaubenden Montagesequenzen: Der Höhepunkt ist eine mehrere Minuten lange Szene, die aus bis zu vier übereinandergelegten Bildern besteht – aus dem Zusammenhang gerissen eigentlich reines Experimentalkino, in die Handlung des Films integriert ein Moment filmischer (und terminaler) Ekstase.
Gesehen bei Nippon Connection
Aus den Tagebüchern eines gelangweilten Sugar-Daddys
Charlie Bubbles (Albert Finney: UK 1968)
Tiefe existenzielle Langeweile, die ein wenig an einen Antonioni-Film erinnert, sah wahrscheinlich selten so lustig und verspielt aus wie in CHARLIE BUBBLES. Eine weitere Reminiszenz wäre wahrscheinlich NIGHT OF THE LIVING DEAD, da der Protagonist wie ein Untoter aussieht, wie ein Zombie ohne Puls, ohne Gefühle, der nur träge herumschlurft. Er ist unglaublich reich, trinkt mit seinem alten Kumpel oder liefert sich mit ihm Essensschlachten, hat eine schöne zweistöckige Wohnung mit zwei Dienern, die ihm zu den ungewöhnlichsten und exzentrischsten Zeiten Käsesandwiches zubereiten, und verfügt über eine junge Studentin als Sekretärin, die bereit ist, hier und da auch sexuelle Dienste zu leisten – nichts scheint den erfolgreichen Autor Charlies Bubbles aus seiner Langeweile zu reißen.
Aber das ist dem Film egal, und unter der außerordentlich souveränen Regie des Regie-Debütanten Albert Finney entfaltet er eine ganze Reihe kreativer und verspielter Ideen, beginnend damit, dass Charlie während eines Geschäftsessens seine Konzentration verliert und anfängt, den Gesprächen an den Nachbartischen zuzuhören, während die Kamera elegant durch das noble Restaurant schwenkt (bevor die erwähnte Essensschlacht ausbricht). Später gibt es eine völlig unangenehme Nicht-Unterhaltung in einer Autobahnraststätte (einschließlich einer gruseligen lebensgroßen Puppe), bevor Charlie und seine Sekretärin in Manchester hineinfahren können, oder besser gesagt: in die öde Peripherie von Manchester, begleitet von einer laut spielenden Blaskapelle.
Das Highlight ist Charlies und seines Kumpels Rückkehr in Charlies Wohnung, dargestellt als visueller Dashboard mit Bildschirmen von Überwachungskameras, die jeden Raum zeigen, wobei die Handlungen parallel ablaufen und zwischen geteilten Überwachungsbildschirmen/verschiedenen Räumen wechseln, während die Personen durch die Wohnung gehen, manchmal in "Nahaufnahme" gehen, indem sie die Perspektive einer einzelnen Überwachungskamera einnehmen. Es ist eine unterhaltsame und verspielte Szene, die auf einer riesigen Cinerama-Kinoleinwand und in einer wunderschönen 35mm-Technicolor-Kopie natürlich ideal zur Geltung kommt.
Gesehen beim Technicolor-Festival
Das Mädchen mit dem Mini (Paul Milan ? aka Frits Fronz?: Österreich 1965)
Liebe und Chaos in der Großstadt-Wohnung
Vorfilm: Farbige Sinfonie (Hans Fischerkoesen: BRD 1957)
Gesehen beim Filmarchäologen-Symposium
Mujeres al borde de un ataque de nervios (Pedro Almodóvar: Spanien 1988)
Shang Hai zhi yen – Shanghai Blues (Tsui Hark: Hong Kong 1984)
Verbotene Liebe
Chronique d'une liaison passagère (Emmanuel Mouret: Frankreich 2022)
La moglie del prete (Dino Risi: Italien/Frankreich 1970)
Der Film beginnt schon auf sehr hohem Niveau, wenn Sophia Loren das Ego ihres Ex-Liebhabers zermalmt, das heißt: sein Auto in einer sehr unterhaltsamen Verfolgungsjagd durch die Straßen Roms mithilfe ihres eigenen Wagens zu Schrott fährt. THE PRIEST'S WIFE hat mich da sofort eingenommen und dann zu keinem Zeitpunkt an Zauber verloren.
Im ersten Teil funktioniert er hauptsächlich wie eine Sexkomödie, in der Sophia Lorens Figur versucht, Marcello Mastroiannis Priesterfigur aufzugeilen – eine Grundidee, die einfach großartig ist und wirklich toll funktioniert. Was jedoch besonders hervorsticht, ist, dass neben der Komödie und der Kritik am Umgang der katholischen Kirche mit Andersdenkenden auch ein emotional wahrhaftig bewegender Film über die Suche nach Liebe zu sehen ist. Ja, THE PRIEST'S WIFE ist auch ein bittersüßer, romantischer Liebesfilm, nicht zuletzt dank Lorens absolut umwerfender Darstellung (ich denke, ich habe sie noch nie besser und emotional packender gesehen als hier).
Die Szene mit dem Tête-à-tête-Dinner im Restaurant in Venedig ist ein kleines Wunder: Das fleischliche Verlangen kanalisiert der Priester kanalisiert zunächst in einer akribischen Bestellung feiner Speisen (dünn geschnittener Schinken, Fischsuppe, gut gekühlter Weißwein); dann die allgegenwärtigen Zweideutigkeiten im Dialog; hier eine Berührung der Hand – und dann löst sich schließlich die ganze Welt um sie herum vollständig auf, sodass nur noch Lorens und Mastroiannis Gesichter die Leinwand füllen, mit großen Augen, die ineinander versunken sind. Ein großartiger Moment, der in gewisser Weise auch die emotional erschütternde und zutiefst verstörende Schlussszene vorwegnimmt.
Gesehen beim Technicolor-Festival
Liebe mit Barrieren
If Beale Street Could Talk (Barry Jenkins: USA 2018)**
Princess Yang Kwei-fei (Mizoguchi Kenji: Japan/Hongkong 1955)
Komödien des Verzichts
A Room with a View (James Ivory: UK 1986)
Ich hatte eine etwas staubige, steife Literaturverfilmung befürchtet (ein bisschen wie THE BOSTONIANS oder HEAT AND DUST vom gleichen Produzenten-Regisseur-Autor-Trio), aber tatsächlich bekam ich eine wunderbar spritzige Komödie in edwardianischen Kostümen zu sehen, in der Helena Bonham Carter und Julian Sands sich gegenseitig aufs Heißeste begehren – und das dann aber mehr oder weniger verstecken müssen, weil das in der edwardianischen Gesellschaft nicht schicklich ist.
A ROOM WITH A VIEW ist ein sehr entspannter Film, der sich immer leicht amüsiert über die unglaubliche Steifheit seiner Figuren, ohne sie lächerlich zu machen. Man denke nur an die seltsame und unfassbar komische Geldwechsel-Szene, aber besonders die Badeszene im Teich ist wirklich unfassbar: Leichte, ungehemmte (und wenn nicht homoerotische, dann zumindest homophile) fröhliche Unterhaltung eskaliert auf wunderschöne Weise zu einem Moment humorvoller Spannung.
Helena Bonham Carter ist fantastisch und wechselt mit immer atemberaubendem Timing ihre Mimik zwischen amüsiert, spöttisch, traurig, arrogant, lustvoll und empört, nur mit einer kleinen Bewegung von Augen, Augenwinkeln und Augenbrauen. Julian Sands hat vielleicht die "einfachste" Rolle in dem Film, aber es ist immer eine Freude, ihm zuzusehen. Es ist jedoch eigentlich wahrhaftig ein Verbrechen der Filmgeschichte, dass Daniel Day-Lewis fast ausschließlich für seine grimmigen Rollen im Method-Acting-Selbstkasteiungs-Modus bekannt ist, obwohl er sich hier, in diesem Film, als absolut großartiger Komiker erweist – insbesondere, wenn er sich in allen möglichen und unmöglichen Momenten mit seinem Zwicker herumschlägt.
Il diavolo (Gian Luigi Polidoro: Italien 1963)
Eine Art Schweden-Mondo-Film mit Alberto Sordi als Geschäftsmann auf Messebesuch in Stockholm, der mit einer schmerzend-pochenden Dauererektion in der Hose durch dies unbekannte Land Schweden mit seinen Versprechen sexueller Freizügigkeiten reist, und der doch nie Erlösung finden wird. Sexuell nicht. Und religiös in einem protestantischen und säkularisierten Land wie Schweden sowieso nicht!
Gesehen bei Terza Visione
Begehren in heißen Gefilden
Vorfilm: Diary of an African Nun (Julie Dash: USA 1977)
Bullfighter and the Lady (Budd Boetticher: USA 1951)
Scirocco (Aldo Lado: Italien/Frankreich 1987)
Gesehen bei Terza Visione
Midnight Fantasies
Vorfilm: Tram (Michaela Pavlátová: Frankreich/Tschechien 2012)
Door II: Tokyo Diary (Takahashi Banmei: Japan 1991)
Fermo posta Tinto Brass (Tinto Brass: Italien 1995)
Kino intensiver erleben mit Vittorio und Luc
Vorfilm: Les minutes d'un faiseur de film (Luc Moullet: Frankreich 1983)
Messalina Venere imperatrice (Vittorio Cottafavi: Italien 1960)
Sondererwähnungen
Liebstes Score neu entdeckte Filme
John Barry für Indecent Proposal (Adrian Lyne: USA 1993)
** Nicholas Britell für If Beale Street Could Talk (Barry Jenkins: USA 2018)
Positivste Zweitsichtung nach ernüchternder Erstsichtung
Interlude (Douglas Sirk: USA 1957)
Gesehen beim Technicolor-Festival
Interaktives Kino-Erlebnis
Der Vorführ-Effekt (Carsten Knoop: Deutschland 2001)
Der Dokumentarfilm DER VORFÜHR-EFFEKT ist eine liebevoll gestaltete Hommage an die Kunst der analogen Filmvorführung und an die Menschen, die sie ausüben, und wurde von einem Filmvorführer inszeniert. Anekdoten, Geschichten, historische und technische Fakten sowie Filmausschnitte verschmelzen zu einer kaleidoskopartigen Reise. Auch wenn die Regie nicht immer ganz prägnant ist und nicht alle Ideen voll ins Schwarze treffen, hat der Film doch genug Herz und Seele, um alles zu einer wunderschönen, bittersüßen Liebeserklärung an die Filmvorführer zu vereinen. Unter anderem gibt es Nettes und Interessantes über das Malteserkreuz (den Genfer Antrieb), fehlende Bilder aus BASIC INSTINCT und den enormen Stress, der entsteht, wenn man in einem Multiplex mehrere analoge Vorführungen gleichzeitig stemmen muss – oder alternativ eine einzelne Vorführung, die mit Tonproblemen beginnt, während der Regisseur des Films dem Filmvorführer in der Vorführkabine über die Schulter schaut.
Besonders schön war der interaktive Teil: An einer Stelle forderte der Regisseur und Erzähler des Films, Carsten Knoop, den aktuellen Filmvorführer dieses Films, dieser Vorführung und genau dieser Kopie auf, den Film anzuhalten und dann im Kinosaal "Hallo" zu sagen, und begann einen Countdown herunterzuzählen. Bei "0" stoppte unsere analoge 35-mm-Vorführung, die Eingangstür zum Kinosaal öffnete sich hinter uns, unser Filmvorführer (Silva) erschien als Silhouette vom Zwischenraum beleuchtet in der Eingangstür, winkte uns zu, und erhielt begeisterten Applaus vom Publikum, bevor er in den Vorführraum zurückkehrte und die Projektion fortsetzte.
Gesehen beim Filmarchäologen-Symposium
---
